Psychedelischer Klassiker von Love aus dem Jahr 1966, der mit seinen abrupten Tempowechseln und surrealen Texten eine echte Herausforderung fĂĽr jede Coverband darstellt. Deep Purple nehmen sich der Aufgabe an und liefern eine Version, die dem Original treu bleibt und gleichzeitig unverkennbar nach Purple klingt. Ein mutiger Griff in die Plattensammlung.
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A Bit on the Side
=1 (2024)
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Energiegeladener Opener des ersten McBride-Albums, der sofort klarmacht, dass die Band keinen sanften Einstieg plant. Der Text handelt von jemandem, der heimlich ein Doppelleben führt und dabei die Kontrolle zu verlieren droht. Simon McBride etabliert sich mit seinem Solo sofort als vollwertiger und eigenständiger Gitarrist.
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A Gypsy's Kiss
Perfect Strangers (1984)
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Handelt von einem flüchtigen, ungreifbaren Moment – einem Kuss oder einer Begegnung, die sich nicht festhalten lässt und umso schöner ist, gerade weil sie vergeht. Kraftvoller Rocker mit einem der energischsten Riffs des Albums, der zeigt, dass die Band nach neun Jahren Pause nichts von ihrer musikalischen Schlagkraft verloren hatte. A Gypsy's Kiss ist eines der unterschätzten Highlights des Perfect-Strangers-Albums.
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Above and Beyond
Now What?! (2013)
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Würdigung von jemandem, der immer mehr gibt als erwartet, der über alle Grenzen hinausgeht und dessen Einsatz und Hingabe keine Grenzen kennt. Emotionaler Höhepunkt des Albums; wurde live zur bewegenden Hommage an den 2012 verstorbenen Jon Lord, dem die Band das Album widmete und den sie nie vergessen hat. Above and Beyond ist eines der würdevollsten Abschiedsstücke, die die Rockmusik kennt.
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All I Got Is You
inFinite (2017)
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Ein Liebesbekenntnis in seiner einfachsten und aufrichtigsten Form – alles andere ist unwichtig, materiell oder vergänglich, solange die eine geliebte Person da ist. Blueslastiger Rocker mit eingängiger Melodie; einer der zugänglichsten Songs der inFinite-Platte und ein Dauerbrenner auf den Setlists der letzten Tourneen. All I Got Is You zeigt, dass Gillan auch im fortgeschrittenen Alter noch Liebeslieder schreiben kann, die nicht kitschig wirken.
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All the Time in the World
Now What?! (2013)
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Eine nachdenkliche Betrachtung von Zeit und Vergänglichkeit – mit der Reife des Alters stellt man fest, dass die scheinbar endlose Zeit in Wahrheit knapp ist und kostbar. Gillans Text wirkt zutiefst autobiografisch; der damals 68-Jährige singt mit einer Tiefe und Weisheit, die dem Song ein besonderes Gewicht verleihen. All the Time in the World wurde live zur Hommage an Jon Lord, der 2012 verstorben war und dem die Band das Album widmete.
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And the Address
Shades of Deep Purple (1968)
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Instrumentalstück als Opener des Debütalbums – Jon Lord zeigt hier bereits seinen charakteristischen Hammond-Orgel-Stil, der die Band über Jahrzehnte prägen sollte. Kein Text, aber eine klare Ansage: Diese Band will mehr als bloßer Pop sein, und Lord etabliert sich sofort als treibende kreative Kraft. And the Address ist ein kurzes, aber programmatisches Stück, das den Ton für alles Kommende setzt.
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And the Address
Turning to Crime (2021)
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Eigene Komposition der Band, die auf diesem Coveralbum als Ausnahme erscheint – ein Instrumental, das Jon Lord gewidmet ist und an seine klassische Hammond-Orgelarbeit erinnert. Don Airey spielt hier mit Reverenz für seinen Vorgänger, ohne ihn zu imitieren, und schafft dabei etwas Eigenes. Ein würdiges Denkmal für einen der einflussreichsten Keyboarder des Rock.
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Anthem
The Book of Taliesyn (1968)
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Ein feierlicher, fast hymnischer Text über Stärke, Gemeinschaft und den Willen, weiterzumachen – getragen und kraftvoll. Eines der stärksten Eigengewächse des Mark-I-Lineups; Rod Evans zeigt hier mit einem ungewöhnlichen Streicherarrangement sein ganzes emotionales Spektrum. Der Song steht beispielhaft dafür, wie experimentierfreudig die Band in ihren Anfangsjahren war, bevor der Hard-Rock-Kurs eingeschlagen wurde.
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Anya
The Battle Rages On... (1993)
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Eine zärtliche, traurige Liebesballade an eine Frau namens Anya – voller Sehnsucht, Verlust und der Wehmut über etwas, das unwiederbringlich vergangen ist. Gehört zu den emotionalsten Momenten der späten Blackmore-Ära und ist einer der Höhepunkte seines letzten Albums mit Deep Purple. Die Ballade zeigt eine Seite Blackmores, die im Hardrock-Kontext oft übersehen wird: die des feinfühligen, romantischen Gitarristen.
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Anyone's Daughter
Fireball (1971)
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Humorvoller, selbstironischer Text über einen Mann, der sich von jeder attraktiven Frau ablenken lässt – egal wessen Tochter sie ist, egal wo er gerade ist oder was er eigentlich tun sollte. Einer von Gillans lustigsten und leichtfüßigsten Texten, locker und unbeschwert wie ein Wink mit dem Zaunpfahl. Anyone's Daughter zeigt, dass Deep Purple trotz ihrer Reputation als ernstzunehmende Hardrocker durchaus einen Sinn für Humor hatten.
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April
Deep Purple (1969)
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Eine Reflexion über Vergänglichkeit und den Wechsel der Jahreszeiten als Metapher für das Leben – getragen, melancholisch und von großer Tiefe. Das über zwölf Minuten lange Stück beginnt als Rockstück und endet in einer orchestralen Passage; Jon Lords Liebe zur Klassik ist hier unüberhörbar. Es ist eines der ambitioniertesten Stücke der frühen Bandgeschichte und zeigt, dass Deep Purple von Anfang an mehr sein wollten als eine gewöhnliche Rockband.
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Arrogant Boy
SPLAT! (2026)
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Erste Single des SPLAT!-Albums – eine scharfe, humorvolle Abrechnung mit selbstverliebten, narzisstischen Typen, die sich für den Mittelpunkt des Universums halten. McBrides Gitarre klingt hier schärfer und aggressiver als auf dem Vorgänger, was dem Song eine zusätzliche Bissigkeit verleiht. Arrogant Boy machte sofort Appetit auf das neue Album und zeigte, dass Deep Purple noch immer relevante Rockmusik machen.
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Bad Attitude
The House of Blue Light (1987)
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Porträtiert eine Person mit einer ständig negativen, feindseligen Grundhaltung gegenüber allem und jedem – jemanden, den man einfach nicht zufriedenstellen kann. Harter Rocker mit eingängigem Refrain – als Single ausgekoppelt einer der stärksten Tracks des zweiten Reunion-Albums und live ein zuverlässiger Publikumsmagneten. Bad Attitude zeigt, dass Deep Purple auch Mitte der 80er noch in der Lage waren, kraftvollen, zeitgemäßen Hardrock zu produzieren.
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Before Time Began
Rapture of the Deep (2005)
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Kosmologische Betrachtung über die Zeit vor dem Urknall, über das Nichts, das dem Etwas vorausging – was war, bevor alles begann, und kann man das überhaupt denken? Einer der philosophischsten und abstrakt-nachdenklichsten Texte im gesamten Deep-Purple-Katalog, getragen von einem epischen, sich langsam aufbauenden Arrangement. Before Time Began zeigt eine intellektuelle Neugier, die in der Rockmusik selten ist.
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Black Night
Made in Japan (1972)
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Handelt von Einsamkeit in der Nacht und dem Gefühl, dass das Licht und die Hoffnung ausgeblieben sind – düster, direkt und ohne Ablenkung. Ursprünglich als B-Seite veröffentlicht, wurde der Song dennoch zum ersten Top-3-Hit der Band in Großbritannien und ist seitdem ein Konzertklassiker. Das schlichte, aber unwiderstehliche Riff ist eines der eingängigsten der gesamten Rockgeschichte und hat den Song zu einem der bekanntesten DP-Titel überhaupt gemacht.
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Bleeding Obvious
=1 (2024)
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Scharfzüngiger Kommentar auf Menschen, die offensichtliche Wahrheiten nicht wahrhaben wollen und lieber Augen und Ohren verschließen. Don Aireys Orgel treibt den Song wie ein Motor, während McBrides Gitarre präzise Akzente setzt. Ein typischer Deep-Purple-Rocker im besten Sinne.
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Bloodsucker
Deep Purple in Rock (1970)
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Warnt eindringlich vor einer manipulativen Person, die anderen Energie und Lebenskraft aussaugt – ein emotionaler Vampir in menschlicher Gestalt. Hartes Riff-Monster, bei dem Blackmores Gitarre und Lords Orgel gleichberechtigt um die Vorherrschaft kämpfen und sich gegenseitig zu immer größerer Intensität antreiben. Der Song ist ein Paradebeispiel für das Zusammenspiel der beiden Hauptkomponisten, das Deep Purple von anderen Hardrockbands der Zeit abhob.
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Breakfast in Bed
Slaves and Masters (1990)
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Entspannte, intime Morgenbeschreibung – das Frühstück im Bett als Moment der Nähe, Unbekümmertheit und des häuslichen Glücks. Einer der smootheren und untypischsten Momente im DP-Katalog, der zeigt, wie sehr Turner den Sound in Richtung Mainstream und erwachsenen Pop-Rock zog. Breakfast in Bed ist genau das Gegenteil dessen, was die meisten DP-Fans von einer Hardrock-Band erwarten – und genau deshalb interessant.
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Burn
Burn (1974)
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Beschreibt ein apokalyptisches Feuer, das alles vernichtet – gleichzeitig ein Symbol für unkontrollierbare Energie, Leidenschaft und den Neubeginn aus der Asche. Coverdales kraftvoller Gesang und Blackmores feuriges Riff machen ihn zum sofortigen Klassiker des ersten Mark-III-Albums; die Band klang hungrig und erneuert. Burn bewies, dass Deep Purple auch ohne Gillan und Glover mitreißenden Hardrock produzieren konnten.
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Caught in the Act
Turning to Crime (2021)
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Cover eines Cream-Songs – einer der wichtigsten Bands für die Entwicklung des britischen Hard Rock und damit auch für Deep Purple selbst. Der Text über das Ertapptwerden auf frischer Tat passt gut zu Gillans humorvollem Ansatz. Deep Purple ehren hier eine ihrer wichtigsten Inspirationsquellen mit einer energiegeladenen Coverversion.
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Child in Time
Deep Purple in Rock (1970)
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Ein Antikriegssong, der eindringlich vor den Folgen menschlicher Gewalt warnt – am Ende bleibt nur Stille und Resignation, kein Triumphgefühl, keine Lösung. Das neunminütige Epos mit Gillans weltberühmten Schreien und hypnotischer Orgel-Gitarren-Interaktion basiert auf einer Melodie von It's a Beautiful Day, die die Band weiterentwickelte und mit eigenem Text versah. Child in Time gilt als einer der größten Rocksongs aller Zeiten und ist live bis heute ein emotionaler Höhepunkt jedes Konzerts.
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Clearly Quite Absurd
Rapture of the Deep (2005)
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Ironischer, humorvoller Kommentar auf die Absurdität moderner Gesellschaft und ihrer selbst auferlegten Regeln, Konventionen und Rituale, die niemand wirklich versteht. Ruhige Ballade, die auf dem ansonsten schweren und epischen Album einen erfrischenden, fast leichtfüßigen Kontrapunkt setzt. Clearly Quite Absurd ist ein Beweis für Gillans ungebrochenen Sinn für Humor auch nach Jahrzehnten im Musikgeschäft.
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Comin' Home
Come Taste the Band (1975)
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Die Sehnsucht nach Heimkehr nach langer Abwesenheit – einfach und direkt empfunden, ohne große Worte, aber aufrichtig und bewegend. Tommy Bolins gitarristischer Stil unterscheidet sich deutlich von Blackmore – beweglicher, jazziger, unberechenbarer – und gibt dem Song eine andere Textur als man von Deep Purple gewohnt war. Comin' Home war ein vielversprechender Auftakt für eine Phase, die leider durch Bolins tragischen Tod 1976 ein jähes Ende fand.
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Concerto for Group and Orchestra – 1. Satz
Concerto for Group and Orchestra (1969)
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Instrumental-Eröffnung ohne konkreten Songtext, die die Spannung zwischen Rockband und klassischem Orchester aufbaut und die Bühne für das historische Konzert bereitet. Das Konzert im Royal Albert Hall mit dem Royal Philharmonic Orchestra war ein Meilenstein – Rock und Klassik begegneten sich auf Augenhöhe und auf Einladung des Orchesters. Jon Lord hatte das Konzert über Monate hinweg komponiert und arrangiert; das Ergebnis wurde als Live-Album veröffentlicht und gilt bis heute als einzigartiges Dokument der Rockgeschichte.
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Contact Lost
Bananas (2003)
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Ein Instrumental, das den tragischen Kontaktverlust zur Raumfähre Columbia im Februar 2003 verarbeitet, die beim Wiedereintritt in die Atmosphäre zerstört wurde und deren sieben Besatzungsmitglieder ums Leben kamen. Ein seltener, stiller Moment echter Trauer im Deep-Purple-Katalog – ohne Worte, aber umso bewegender durch die eindringliche Komposition. Contact Lost zeigt, dass Deep Purple auch jenseits von Rockdonnern zu tief berührender Musik fähig waren.
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Dead or Alive
The House of Blue Light (1987)
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Western-Metapher für einen Mann, der gejagt wird, in die Enge getrieben ist und keine Wahl mehr hat – kämpfen, fliehen oder sterben. Energetischer Track, der live gut funktionierte und das Publikum mitreißen konnte, auf dem Album aber etwas unter den stärkeren Tracks unterging. Dead or Alive ist ein gutes Beispiel für die direkte, bildhafte Sprache, die Gillan in seinen Texten oft bevorzugte.
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Dealer
Come Taste the Band (1975)
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Beschreibt einen charismatischen, undurchsichtigen Typ, der immer genau weiß, was andere wollen – und es ihnen für den richtigen Preis verkauft, ohne dabei Farbe zu bekennen. Tommy Bolins Gitarrenspiel verleiht dem Song einen blueslastigen, amerikanischen Feel, der sich deutlich vom europäischen Ansatz Blackmores unterscheidet. Dealer ist eines der stärksten Stücke des Come-Taste-the-Band-Albums und ein gutes Beispiel für den Stilwechsel, den Bolin einbrachte.
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Demon's Eye
Fireball (1971)
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Beschreibt eine verführerische, dämonische Frau, deren Blick den Erzähler in ihren Bann zieht und nicht mehr loslässt – er weiß, dass es gefährlich ist, aber er kann nicht widerstehen. Eine der eingängigeren Nummern des Fireball-Albums mit einer fast tanzbaren Groove, die den Funk-Einfluss andeutet, der später unter Mark III und IV voll zum Tragen kommen sollte. Demon's Eye zeigt Gillan in spielerischer, fast koketter Stimmung.
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Diablo
SPLAT! (2026)
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Düsterer, schwerer Track, der von einer verführerischen aber gefährlichen Kraft erzählt – ob Person, Sucht oder innerer Dämon bleibt bewusst offen. Eines der härtesten Stücke des Albums, das Gillans Ankündigung bestätigt, SPLAT! sei das schwerste Deep-Purple-Album seit Jahren. Bob Ezrin gab dem Song eine Produktion, die maximale Bedrohlichkeit bei gleichzeitiger Klarheit schafft.
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Dixie Chicken
Turning to Crime (2021)
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Little-Feat-Klassiker über eine mysteriöse Frau in New Orleans und eine Nacht voller Alkohol, Musik und verlorener Erinnerungen. Deep Purple interpretieren den Song mit Respekt vor dem Original und verleihen ihm gleichzeitig ihren charakteristischen Hardrock-Groove. Roger Glovers Bass gibt dem Song einen treibenden Unterbau.
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Drifter
Come Taste the Band (1975)
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Porträt eines rastlosen, heimatlosen Menschen, der nirgendwo sesshaft wird und immer weiterzieht – halb aus Freiheitsdrang, halb aus Unfähigkeit, anzukommen. Einer der zugänglichsten und melodischsten Tracks des letzten Albums der klassischen 70er-Phase, der zeigt, dass die Band auch ohne Blackmore noch großartige Songs schreiben konnte. Drifter klingt wie ein Abschied – und war es in gewisser Weise auch, da die Band kurz danach pausierte.
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Fireball
Fireball (1971)
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Beschreibt einen unkontrollierbaren Energieausbruch – eine Person oder Kraft, die alles in Brand setzt und sich nicht aufhalten lässt, eine Naturgewalt in menschlicher Form. Der charakteristische, fast jazzige Rhythmus entstand durch Experimente mit der Studiotechnik, unter anderem durch zufällige Rückwärtsaufnahmen, die dann vorwärts abgespielt wurden. Das Ergebnis klingt für einen Hardrock-Song der frühen 70er ungewöhnlich komplex und zeigt den Experimentiergeist der Band.
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Flight of the Rat
Deep Purple in Rock (1970)
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Beschreibt einen skrupellosen Opportunisten, der andere für seine Zwecke benutzt, sich anpasst wie eine Ratte und dabei selbst die Kontrolle verliert. Sieben Minuten Bluesrock mit ausgedehnten Improvisationspassagen – ein Paradebeispiel für die Bandbreite des Mark-II-Lineups zwischen roher Energie und musikalischer Raffinesse. Live wurde der Song regelmäßig noch weiter ausgedehnt und diente als Plattform für ausgedehnte Instrumentalsoli.
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Fools
Fireball (1971)
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Warnt vor Selbstüberschätzung und blindem Drauflosstürzen ohne nachzudenken – nur Narren handeln ohne Plan und wundern sich dann über die Konsequenzen. Dramatisches Stück mit einem der theatralischsten und vielschichtigsten Gillan-Auftritte auf dem Album, der zwischen Warnung und Selbstironie wechselt. Fools schließt das Fireball-Album mit einer epischen, fast sieben Minuten langen Nummer ab.
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Gettin' Tighter
Come Taste the Band (1975)
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Feiert das Zusammenwachsen einer Gruppe von Menschen und die stärker werdende Verbindung zwischen ihnen – je mehr Zeit vergeht, desto tighter wird das Band. Groovigster Track des Albums mit starkem Funk-Einfluss von Glenn Hughes, der zeigt, wohin die Band musikalisch gegangen wäre, hätte sie weitergemacht. Das Stück ist ein faszinierendes Dokument einer Übergangsphase, in der Deep Purple kurz vor einem radikalen Stilwechsel standen.
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Guilt Trippin'
SPLAT! (2026)
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Humorvolle, aber auch bittere Abrechnung mit Menschen, die andere durch permanentes Schuldgefühl-Einreden manipulieren und kontrollieren. Eingängiger Rocker mit einem Refrain, der sofort mitgesungen werden kann und live funktionieren wird. Eine der zweiten Singles des Albums und ein gutes Beispiel für Gillans ungebrochene Fähigkeit, prägnante Texte zu schreiben.
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Hard Lovin' Man
Deep Purple in Rock (1970)
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Freche, selbstbewusste Ansage eines Mannes, der weiß, was er kann – direkt, kompromisslos und ohne Entschuldigung. Aggressiver Closer von In Rock mit rasantem Tempo; Ian Paices Schlagzeugarbeit ist hier besonders beeindruckend und zeigt seine Fähigkeit, selbst bei höchstem Tempo präzise zu bleiben. Der Song schließt das Album mit einem finalen Energieausbruch ab und hinterlässt keinen Zweifel: Deep Purple hatten ihren Stil gefunden.
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Hell to Pay
Now What?! (2013)
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Handelt von Konsequenzen, die man nicht vermeiden kann – wer Mist baut, muss dafür geradestehen, egal wie man versucht, sich herauszuwinden. Druckvoller Opener des von Bob Ezrin produzierten Comebacks; zeigt die Band hochmotiviert und in absoluter Bestform, als hätte es die schwächeren Alben der 90er nie gegeben. Hell to Pay wurde von der Presse als Beweis gewertet, dass Deep Purple mit nun What?! ihr bestes Album seit Jahrzehnten vorgelegt hatten.
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Highball Shooter
Stormbringer (1974)
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Feiert ungeniert das ausschweifende Leben auf Tour – Partys, Alkohol, Late-Night-Sessions und das Gefühl, unaufhörlich unterwegs zu sein ohne Verantwortung. Glenn Hughes singt hier federführend und bringt seinen charakteristischen Funk-Soul-Einfluss voll zur Geltung. Highball Shooter ist ein ehrliches Dokument des Rockstar-Lebens der frühen 70er, ohne Beschönigung und ohne Reue.
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Highway Star
Machine Head (1972)
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Eine Liebeserklärung an Geschwindigkeit, Freiheit und das Auto als Symbol für absolute Unabhängigkeit – niemand nimmt dem Erzähler seinen fahrbaren Untersatz, und niemand kommt ihm auf der Straße gleich. Entstand laut Gillan auf einem Tourneebus als spontane Antwort auf die Frage eines Journalisten, wie ein Hardrock-Song entsteht; Blackmores Solo gilt bis heute als Schablone für klassische Hardrock-Gitarrensoli und wird in Gitarrenschulen weltweit analysiert. Highway Star eröffnet Machine Head und ist bis heute fester Bestandteil jedes Deep-Purple-Konzerts.
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Hip Boots
inFinite (2017)
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Beschreibt eine selbstbewusste, furchtlose Person, die in ihren Stiefeln durch die Welt stapft, sich von nichts und niemandem aufhalten lässt und ihren eigenen Weg geht. Epischster Track des inFinite-Albums mit einer langen, sich langsam entfaltenden atmosphärischen Entwicklung, die dem Song eine filmische Qualität verleiht. Hip Boots zeigt die Band in ihrer entspanntesten und gleichzeitig tiefgründigsten Verfassung der späten Karriere.
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Holy Man
Stormbringer (1974)
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Kritisiert religiöse Heuchelei und selbsternannte Propheten, die ihre Position für persönliche Vorteile missbrauchen und die Gläubigen ausnutzen. Ruhiger, fast balladenhafter Track, der auf dem ansonsten stampfenden Album einen ungewohnten, kontemplativen Moment der Stille schafft. Holy Man zeigt, dass Deep Purple auch auf einem ihrer umstrittensten Alben noch Überraschungen bereithalten konnten.
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House of Pain
Bananas (2003)
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Beschreibt einen Ort oder Zustand, aus dem es kein Entkommen gibt – eine Beziehung, eine Situation oder das Leben selbst als Gefängnis, in dem man feststeckt. Don Aireys Orgel gibt dem kraftvollen Rocker den klassischen Purple-Klang zurück, den manche Fans in der späten Morse-Phase vermisst hatten. House of Pain wurde zum Markenzeichen der Bananas-Tour und zeigt, dass die Band auch nach über dreißig Jahren noch mitreißenden Hardrock produzieren konnte.
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Hush
Shades of Deep Purple (1968)
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Der Text handelt von einem Mann, der die Stimme seiner verlorenen Geliebten zu hören glaubt und von Schmerz und Sehnsucht überwältigt wird. Cover eines Joe-South-Songs – Deep Purples Version mit Jon Lords treibender Hammond-Orgel erreichte Platz 4 in den US-Charts und machte die Band international bekannt. Die Aufnahme entstand 1968 und war der Durchbruch, der Deep Purple in Nordamerika etablierte – in Europa blieben sie zunächst kaum beachtet.
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I Need Love
Come Taste the Band (1975)
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Offenes, ungeschütztes Bekenntnis zur Sehnsucht nach echter Zuneigung, Wärme und Verbundenheit – ehrlicher und verletzlicher als die meisten DP-Texte. Glenn Hughes singt mit einer Verletzlichkeit und emotionalen Intensität, die auf diesem Album einzigartig ist und seinen Ruf als außergewöhnlicher Sänger weiter festigte. I Need Love zeigt, warum Hughes bis heute als einer der begnadetsten Vokalisten des Rock gilt.
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Into the Fire
Deep Purple in Rock (1970)
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Kurzer, harter Rocker über den Sprung ins Ungewisse – wer ins Feuer geht, weiß nicht, ob er zurückkommt, aber er geht trotzdem. Eines der kompaktesten und aggressivsten Stücke auf In Rock, oft als Übergang zwischen den epischen Tracks übersehen, aber mit einer rohen Direktheit, die beeindruckt. Into the Fire zeigt, dass Deep Purple auch jenseits der langen Jam-Songs mitreißende Kurzformen beherrschten.
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It's a Crime
=1 (2024)
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Titeltrack der europäischen Single-Auskopplung des Albums – ein direkter, eingängiger Rocker, der sofort im Ohr bleibt. Der Text beklagt Ungerechtigkeit und Verlust mit der Direktheit, die Gillan in seinen besten Momenten auszeichnet. It's a Crime wurde zum inoffiziellen Aushängeschild des =1-Albums.
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Jessica's Bra
SPLAT! (2026)
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Typisch Gillan'scher Humor in Reinform – der Titel sagt alles und nichts, der Song selbst ist ein direkter, unverblümter Rocker ohne große Ambitionen außer Spaß zu machen. Zeigt, dass die Band sich selbst nicht zu ernst nimmt und auch nach fast sechzig Jahren Bandgeschichte noch lachen kann. Jessica's Bra wird live garantiert zu einem Publikumsliebling.
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Johnny's Band
inFinite (2017)
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Nostalgische, herzliche Geschichte über eine Jugendband namens Johnny's Band, die davon träumt, groß rauszukommen – mit autobiografischen Anklängen an die eigenen bescheidenen Anfänge der Bandmitglieder. Einer der eingängigsten und menschlichsten Songs der gesamten späten Deep-Purple-Karriere, der die Band von einer ungewohnt sentimentalen Seite zeigt. Johnny's Band wurde live zum Fan-Liebling, weil er eine universelle Erfahrung auf so direkte Art beschreibt.
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Kentucky Woman
The Book of Taliesyn (1968)
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Erzählt von einer geheimnisvollen Frau aus Kentucky, die den Erzähler magisch anzieht und nicht loslässt. Neil-Diamond-Cover, das Deep Purple zu einer energiegeladenen Single verwandelten und damit erneut die US-Charts knackten. Die Band verstand es, Fremdmaterial vollständig in ihren eigenen Sound zu verwandeln – Rod Evans verleiht dem Song eine emotionale Tiefe, die über das Original hinausgeht.
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King of Dreams
Slaves and Masters (1990)
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Beschreibt eine visionäre Figur, die in ihrer eigenen Traumwelt lebt und von anderen als weltfremd belächelt wird – bis sich am Ende herausstellt, dass der Träumer recht hatte. Stärkster Track des umstrittenen Joe-Lynn-Turner-Albums mit einem eingängigen Riff; klingt deutlich nach Rainbow, was angesichts der Besetzung kaum überrascht, da Turner zuvor bei Rainbow gesungen hatte. King of Dreams ist das einzige Stück aus dieser Ära, das gelegentlich noch live gespielt wird.
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Knocking at Your Back Door
Perfect Strangers (1984)
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Ein Text voller Doppeldeutigkeiten, der auf der Oberfläche von einer neugierigen Entdeckungsreise handelt – darunter steckt jedoch Gillans typischer, verschmitzter Humor, der Dinge andeutet ohne sie auszusprechen. Einer der erfolgreichsten Songs der Reunion-Phase mit einem unverwechselbaren Riff und einem Radiohit, der die Band 1984 schlagartig wieder in die Charts brachte. Das Musikvideo trug maßgeblich dazu bei, dass die Band auch einer neuen Generation von Fans bekannt wurde.
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Lay Down Stay Down
Burn (1974)
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Selbstbewusste Ansage an einen Gegner, der liegen bleiben soll, wenn er einmal unten ist – kein Mitleid, keine zweite Chance. Glenn Hughes' Funk-Einfluss ist hier deutlich spürbar und verleiht dem Song einen Groove, der für Deep Purple bis dahin ungewöhnlich war. Das Duett zwischen Hughes und Coverdale funktioniert hervorragend und zeigt, wie die beiden Sänger sich gegenseitig zu besseren Leistungen anspornen.
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Lazy
Machine Head (1972)
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Ironische Selbstbeschreibung eines Mannes, der zugibt, faul zu sein, aber trotzdem genau weiß, was er will – und es auf seine eigene, entspannte Art bekommt. Blueslastiger Jam mit ausgedehnten Solopassagen für Orgel und Gitarre, live oft noch weiter ausgedehnt mit improvisierten Abschnitten, die bei jedem Konzert anders klingen. Lazy ist eines der größten Vergnügen des Machine-Head-Albums und zeigt, wie tief die Blueswurzeln der Band tatsächlich reichen.
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Lazy Sod
=1 (2024)
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Bissige Charakterstudie eines Menschen, der trotz offensichtlicher Fähigkeiten nichts aus sich macht und sich lieber in Selbstmitleid suhlt. Kraftvoller Midtempo-Rocker mit einem Riff, das an die großen Zeiten des Mark-II-Lineups erinnert. Gillan klingt hier kämpferisch und engagiert wie lange nicht.
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Let the Good Times Roll
Turning to Crime (2021)
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R&B-Klassiker von Sam Cooke, der eine einfache aber kraftvolle Botschaft trägt: Das Leben ist kurz, also feiert es solange ihr könnt. Deep Purple nehmen den Song und verwandeln ihn in einen schwelgenden, Hammond-getriebenen Midtempo-Rocker. Don Aireys Orgelspiel verleiht dem Song eine Tiefe und Würde, die dem Original gerecht wird.
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Lick It Up
The Battle Rages On... (1993)
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Direkter, unverblümter Text über Genuss, das Auskosten des Augenblicks und die Ablehnung jeder Zurückhaltung – ohne Umschweife und ohne Entschuldigung. Stampfender Rocker, der auf der Abschiedstour mit Blackmore regelmäßig gespielt wurde und zuverlässig das Publikum in Bewegung brachte. Lick It Up zeigt Blackmore nochmals in einer für ihn typischen Hochform, bevor er die Band endgültig verließ.
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Living Wreck
Deep Purple in Rock (1970)
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Selbstbeschreibung eines Mannes, der nach einem ausschweifenden Leben körperlich und seelisch am Ende ist – und dennoch aufrecht steht und weitermacht. Stampfender Midtempo-Rocker mit einem bissigen Riff, der die Überlebensmentalität des Textes musikalisch perfekt umsetzt. Living Wreck ist ein unterschätztes Highlight von In Rock, das zeigt, dass die Band auch abseits der großen Klassiker starke Songs schrieb.
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Loosen My Strings
Purpendicular (1996)
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Handelt von dem Wunsch, sich von Zwängen, Erwartungen und Kontrolle zu befreien – locker zu lassen, die Dinge fließen zu lassen und einfach man selbst zu sein. Zeigt Steve Morses amerikanisch-direkten Stil im Gegensatz zu Blackmores klassisch-europäischem Ansatz – die Gitarrenarbeit ist technisch brillant aber nie selbstverliebt. Loosen My Strings ist ein gutes Beispiel dafür, wie Morse die Band modernisierte, ohne ihre Identität aufzugeben.
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Love Conquers All
Slaves and Masters (1990)
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Optimistische Liebesballade, die mit Überzeugung behauptet, echte Liebe überwindet alle Hindernisse und Widerstände – eine fast naive, aber aufrichtige Botschaft. Poppigster Song des Turner-Albums; Turner war diese Art von melodischem AOR-Rock aus seiner Rainbow-Zeit gewohnt und brachte ihn in den Deep-Purple-Kontext. Love Conquers All polarisierte Fans, die in diesem Stil einen zu großen Kompromiss an den Mainstream sahen.
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Love Don't Mean a Thing
Stormbringer (1974)
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Zynische Absage an romantische Illusionen – Liebe ist laut diesem Text nicht mehr als eine flüchtige Empfindung ohne Substanz, die man nicht festhalten kann und auf die man sich nicht verlassen sollte. Zeigt den Funk-Einfluss von Glenn Hughes besonders deutlich, der hier stimmlich dominiert und dem Song eine Seele gibt, die über den zynischen Text hinausgeht. Love Don't Mean a Thing ist musikalisch einer der interessantesten Tracks des Stormbringer-Albums.
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Lucille
Made in Japan (1972)
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Flehentlicher Appell an eine Frau namens Lucille, die ihren Mann und ihre Kinder verlassen hat – ein klassisches Blues-Motiv voller Verzweiflung und unerfüllter Sehnsucht. Little-Richard-Cover, das Deep Purple auf Made in Japan zu einem wilden Rockausbruch verwandelten, der die Energie des Originals um ein Vielfaches steigert. Gillan liefert hier eine seiner ausgelassensten Gesangsvorstellungen der gesamten Mark-II-Ära.
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Man Alive
Whoosh! (2020)
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Eine nachdenkliche Bestandsaufnahme des Menschseins in einer immer verrückter werdenden Welt – was bedeutet es noch, wirklich lebendig zu sein, wenn alles um einen herum ins Chaos zu gleiten scheint? Gillan klingt hier so engagiert und neugierig wie selten zuvor in der späten Karriere der Band, als hätte er nach mehr als fünfzig Jahren im Musikgeschäft noch immer Fragen, die ihn antreiben. Man Alive ist ein würdiger Abschluss des letzten Steve-Morse-Albums.
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Mary Long
Who Do We Think We Are (1973)
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Gesellschaftssatire auf heuchlerische Moralapostel, die öffentlich Tugend predigen, Pornographie verbieten und Sittlichkeit fordern – und privat genau das Gegenteil tun. Benannt nach einer Komposition aus den Namen zweier britischer Zensoren der 70er Jahre – Gillans bissigster und direktester politischer Text, der nichts dem Zufall überlässt. Mary Long zeigt, dass Deep Purple trotz ihrer apolitischen Reputation durchaus gesellschaftliche Kommentare abgeben konnten.
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Maybe I'm a Leo
Machine Head (1972)
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Ein selbstironischer Text über Sturheit und Eigenwilligkeit – der Erzähler fragt sich, ob sein Sternzeichen Löwe für seinen unbeugsamen, manchmal schwierigen Charakter verantwortlich ist. Zeigt die bluesigen Wurzeln der Band, die hinter dem Hard-Rock-Image oft verborgen bleiben und die besonders in den Gitarren- und Orgelpassagen hörbar werden. Der Song ist ein gutes Beispiel dafür, wie Deep Purple auch auf ihrem bekanntesten Album Raum für ruhigere, introspektivere Momente ließen.
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Might Just Take Your Life
Burn (1974)
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Warnung an eine unberechenbare Person, deren impulsive Handlungen gefährliche Konsequenzen für alle Beteiligten haben könnten. Einer der eingängigsten Refrains der Bandgeschichte – als Single ausgekoppelt zeigte er die kommerzielle Stärke der Mark-III-Besetzung, die trotz neuem Personal den alten Erfolg fortsetzen konnte. Das Zusammenspiel der beiden Sänger Coverdale und Hughes verleiht dem Song eine besondere Dynamik.
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Mistreated
Burn (1974)
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Ein Herzschmerz-Blues über eine Frau, die den Erzähler schlecht behandelt, die er aber trotzdem nicht vergessen kann – eine klassische, zeitlose Liebesklage. Coverdale singt diese Ballade mit solcher Intensität und Verletzlichkeit, dass sie live zur epischen Jam-Session wurde, die manchmal zwanzig Minuten und mehr dauerte. Mistreated gilt als eine der besten Balladen im gesamten Deep-Purple-Katalog und als Beweis für Coverdales außergewöhnliche Stimme.
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My New Movie
SPLAT! (2026)
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Selbstreflexiver Text über das Neuerfinden und den Wunsch, ein neues Kapitel aufzuschlagen – das Leben als Film, den man selbst schreiben und drehen kann. Eingängiger Rocker mit einem optimistischen Grundton, der dem Album zum Ende hin eine positive Wendung gibt. My New Movie klingt wie ein Neuanfang – und ist es auch, denn die Band schreibt weiter an ihrer Geschichte.
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Never Before
Machine Head (1972)
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Handelt von einer Liebeserfahrung, die so intensiv und überwältigend neu ist, dass der Erzähler nicht weiß, wie ihm geschieht – eine völlig unbekannte Emotion. Der poppigste Track auf Machine Head – als Single ausgekoppelt und Beweis für die Vielseitigkeit der Band, die nicht immer auf maximale Lautstärke und Härte setzen musste. Trotz seiner zugänglicheren Struktur enthält der Song alle typischen Deep-Purple-Elemente: starkes Riff, prägende Orgel, Gillans unverwechselbare Stimme.
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No Need to Shout
Whoosh! (2020)
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Plädoyer für ruhige, besonnene Kommunikation statt Lärm, Aggression und gegenseitigem Überschreien – wahre Stärke zeigt sich in Gelassenheit, nicht in Lautstärke. Midtempo-Rocker mit einem nachdenklichen, fast philosophischen Text, der gut in die entspannte Grundstimmung des Whoosh!-Albums passt. No Need to Shout ist eine Botschaft, die in einer aufgewühlten Welt vielleicht mehr denn je relevant ist.
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No One Came
Fireball (1971)
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Erzählt von einem Konzert oder einer Veranstaltung, zu der niemand erscheint – Isolation, Enttäuschung und trotziges Weitermachen trotz ausbleibender Resonanz. Einer der dunkelsten Songs des Albums mit einem hypnotischen, sich wiederholenden Riff; ungewöhnlich persönlich und introspektiv für Deep Purple. Der Text spiegelt möglicherweise die Frustration der Band wider, die trotz enormer musikalischer Qualität lange Zeit um Anerkennung kämpfen musste.
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Nothing at All
Whoosh! (2020)
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Handelt von jemandem, der sich nach außen hin gleichgültig gibt und so tut, als wäre ihm alles egal – innerlich aber alles intensiv wahrnimmt und verarbeitet. Direkter, eingängiger Rocker mit einem simplen aber effektiven Riff – Beweis, dass Deep Purple auch im achten Jahrzehnt der Bandgeschichte mitreißenden Hard Rock produzieren können. Nothing at All wurde zu einem der meistgespielten Tracks der Whoosh!-Tour.
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On Top of the World
inFinite (2017)
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Euphorisches, überschwängliches Gefühl des Triumphes – alles läuft perfekt zusammen, der Moment gehört einem vollständig, das Leben könnte nicht besser sein. Mitreißender Rocker, der das inFinite-Album mit positiver Energie und einem Lächeln abschließt und dem Hörer das Gefühl gibt, dass alles möglich ist. On Top of the World ist ein würdiger Abschluss eines Albums, das Deep Purple als lebendige, relevante Band des 21. Jahrhunderts bestätigte.
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Perfect Strangers
Perfect Strangers (1984)
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Zwei Menschen, die sich nach langer Trennung wiederbegegnen und feststellen, dass sie sich trotz allem fremd geworden sind – zugleich eine treffende Metapher für die wiedervereinten Bandmitglieder selbst, die neun Jahre getrennte Wege gegangen waren. Atmosphärisches Intro, Gillans eindringlicher Gesang und einer der emotionalsten Momente der Reunion, der zeigt, dass die Chemie zwischen den Musikern noch immer vorhanden war. Der Titeltrack des Reunion-Albums wurde zum Symbol für ein Comeback, das die Rockwelt überraschte.
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Pictures of Home
Machine Head (1972)
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Ein Heimweh-Song über das Leben auf Tournee – der Erzähler vermisst Vertrautes, Ruhe, seine Wurzeln und die einfachen Dinge des Alltags, die auf der Straße fehlen. Enthält eines von Blackmores lyrischsten und emotionalsten Soli sowie Roger Glovers einfühlsamstes Bassspiel auf dem gesamten Album. Der Song zeigt die menschliche Seite einer Band, die nach außen hin Unverwundbarkeit ausstrahlte, innerlich aber die Belastungen des Touralltags spürte.
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Portable Road
Turning to Crime (2021)
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Cover eines Little-Feat-Songs, der die Band sofort in eine entspannte, americana-gefärbte Stimmung versetzt. Der Text handelt von Heimweh und dem Leben unterwegs – ein Thema, das für Musiker auf ewiger Tournee universell ist. Deep Purple verwandeln das Original in ein schweres, grooviges Rockstück mit unverwechselbarem Purple-Stempel.
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Portable Road
=1 (2024)
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Überarbeitung eines Stücks aus der Turning-to-Crime-Phase, das auf dem neuen Album einen anderen, schwereren Ansatz bekommt. Zeigt, wie die Band altes Material durch neue Perspektiven transformieren kann. Mit McBride klingt das Stück entschiedener und drängender als die frühere Version.
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Prelude: Happiness / I'm So Glad
The Book of Taliesyn (1968)
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Überschwängliche Coverversion des Skip-James-Klassikers, die Deep Purple mit jugendlicher Energie und einem Gefühl der Unbekümmertheit füllen. Cream hatten den Song kurz zuvor populär gemacht – Purple legen eine noch wildere, energiegeladenere Version vor und zeigen, dass sie sich von großen Vorbildern nicht einschüchtern lassen. Das Stück zeigt den Einfluss des britischen Blues-Revival auf die frühe Bandgeschichte.
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Rapture of the Deep
Rapture of the Deep (2005)
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Titeltrack über den gefährlichen Rausch der Tiefe beim Tauchen – ein realer Zustand, bei dem Taucher durch Stickstoffnarkose die Orientierung verlieren, eine Metapher für jeden Zustand, der einen überwältigt. Atmosphärisch und schwer, mit einem der dichtesten und bedrohlichsten Riffs der Morse-Ära, das den Sog in die Tiefe musikalisch perfekt umsetzt. Rapture of the Deep zeigt Deep Purple in nachdenklicher, fast düsterer Stimmung.
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Rat Bat Blue
Who Do We Think We Are (1973)
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Kryptischer Blues-Text über Nachtleben, zwielichtige Gestalten und das Leben am Rand der Gesellschaft, wo die normalen Regeln nicht mehr gelten. Einer der bluesigsten Momente im gesamten Mark-II-Katalog, mit einer Groove, die eher an Chicago-Blues als an klassischen Hardrock erinnert. Rat Bat Blue ist ein Beweis dafür, dass Deep Purple selbst auf ihrem schwächsten Album noch interessante musikalische Winkel fanden.
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Rockin' in the Free World
Turning to Crime (2021)
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Neil-Young-Klassiker, der als Kommentar auf gesellschaftliche Ungleichheit und politische Heuchelei geschrieben wurde – ein Song, der mit den Jahren nicht an Aktualität verloren hat. Deep Purple spielen ihn mit der Energie und Überzeugung, die man von einer Band erwartet, die selbst Jahrzehnte durch die Welt getourt ist. Gillans Interpretation gibt dem Text eine persönliche Note.
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Rosa's Cantina
Purpendicular (1996)
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Atmosphärische, fast filmische Beschreibung einer mexikanischen Cantina und der verschiedensten Menschen, die dort ein und aus gehen – jeder mit seiner eigenen Geschichte, seinem eigenen Geheimnis. Folkig-rockig mit einem ungewöhnlichen, narrativen Charakter, der für Deep Purple untypisch ist und zeigt, wie sehr Morse den Sound der Band in neue Richtungen lenken konnte. Rosa's Cantina ist eines der charmantesten und unerwartetsten Stücke des Purpendicular-Albums.
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Run Rudolph Run
Now What?! (2013)
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Chuck-Berry-Coverversion des Rock'n'Roll-Weihnachtsklassikers – locker, ausgelassen und mit einem Augenzwinkern, das zeigt, dass die Band auch nach Jahrzehnten noch Spaß an der Musik hat. Zeigt die spielerische, unbeschwerte Seite der Band und wie sie selbst kanonische Rocksongs mit Purple-Energie und -Humor aufladen kann. Run Rudolph Run war als Bonus-Track gedacht und ist genau das: ein Bonbon ohne Anspruch, aber mit viel Charme.
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Sacred Land
SPLAT! (2026)
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Nachdenklicher, fast balladenhafter Song über Heimat, Zugehörigkeit und den Wert von etwas, das man erst erkennt, wenn man es zu verlieren droht. Ruhigster Moment des Albums, der einen Kontrapunkt zu den härteren Stücken setzt und zeigt, dass die Band auch 2026 noch lyrische Tiefe erreichen kann. McBrides zurückhaltendes Spiel gibt Gillan Raum, den er vollständig ausfüllt.
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Scriblin' Gib'rish
SPLAT! (2026)
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Absurdistischer, selbstironischer Kommentar auf sinnloses Gerede, leere Worthülsen und die Unfähigkeit, wirklich zu kommunizieren – inklusive Selbstironie. Eines der verspieltesten Stücke des Albums, das zeigt, dass Deep Purple 2026 noch immer Humor haben. Scriblin' Gib'rish ist der leichteste Track des Albums und sorgt für eine willkommene Auflockerung.
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Shield
Deep Purple (1969)
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Mystischer Text über Schutz, Stärke und eine unsichtbare Kraft, die den Erzähler in schwierigen Zeiten bewahrt und ihm Halt gibt. Eines der unterschätzten Stücke der Mark-I-Ära mit einem ungewöhnlichen, fast folkigen Charakter, der die Experimentierfreude der jungen Band zeigt. Shield beweist, dass Deep Purple von Anfang an bereit waren, über die Grenzen des reinen Rockgenres hinaus zu denken.
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Show Me
=1 (2024)
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Fordernde Aufforderung an jemanden, seine wahren Absichten endlich zu zeigen statt sich hinter Worten und Versprechen zu verstecken. Blueslastige Nummer mit einer eingängigen Melodie, die Gillans Stimme perfekt zur Geltung bringt. McBride liefert ein Solo, das Technik und Gefühl in vorbildlicher Weise verbindet.
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Silver Tongue
Bananas (2003)
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Warnt eindringlich vor jemandem mit einer Silberzunge – charmant, eloquent, überzeugend, aber letztlich unehrlich und nur auf den eigenen Vorteil bedacht. Eingängiger Midtempo-Rocker, der zeigt, dass die Morse-Ära auch kommerziell zugängliche, sofort einprägsame Songs produzieren konnte. Silver Tongue ist ein Beweis dafür, dass Don Aireys Orgel dem Band-Sound eine Kontinuität gab, die Gillans Stimme als roten Faden durch die Jahrzehnte zog.
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Smoke on the Water
Machine Head (1972)
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Beschreibt hautnah den Brand im Casino Montreux während eines Frank-Zappa-Konzerts, den Deep Purple vom Hotelfenster aus beobachteten und der ihre eigenen Aufnahmepläne zunichtemachte – der Rauch zog über den Genfer See. Das Intro-Riff ist eines der bekanntesten der Musikgeschichte; jeder Gitarrenanfänger lernt es als erstes, und es ist weltweit ein Symbol für Rockmusik schlechthin. Die Band musste nach dem Brand ins leerstehende Grand Hotel ausweichen, wo das gesamte Album mit einem mobilen Studio aufgenommen wurde.
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Soldier of Fortune
Stormbringer (1974)
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Melancholische Reflexion eines Söldners oder Abenteurers, der heimatlos durch die Welt zieht und sich nach Zugehörigkeit, Wärme und einem Ort zum Bleiben sehnt. Die schlichte akustische Ballade mit Coverdales fragiler, fast gebrochener Stimme gehört zu den beliebtesten und untypischsten Deep-Purple-Songs überhaupt. Soldier of Fortune zeigt eine völlig andere, verletzliche Seite einer Band, die sonst vor allem für lautstarken Hard Rock bekannt war.
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Solitaire
The Battle Rages On... (1993)
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Einsamkeit als Lebensweise und bewusste Entscheidung – der Erzähler hat sich daran gewöhnt, allein zu sein, und weiß nicht mehr, wie echte Nähe geht oder ob er sie überhaupt noch will. Einer der nachdenklichsten und introspektivsten Momente des letzten Blackmore-Albums, der eine verletzliche Seite zeigt, die man vom gitarristischen Hardrock-Virtuosen nicht erwartet. Solitaire ist ein würdiger, melancholischer Abschluss dieser Ära.
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Sometimes I Feel Like Screaming
Purpendicular (1996)
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Ein ehrlicher, verletzlicher Text über innere Frustration, das Gefühl nicht gehört zu werden und den fast überwältigenden Drang, einfach loszubrüllen – raus aus allem. Gillan singt diese Ballade mit ungewöhnlicher Offenheit und Verletzlichkeit, die man von ihm in dieser Form selten gehört hat. Sometimes I Feel Like Screaming gilt als einer der emotionalsten Songs der Morse-Ära und als Beweis, dass Gillan mit zunehmendem Alter tiefgründiger und nuancierter wurde.
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Space Truckin'
Machine Head (1972)
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Science-Fiction-Text über interstellare Reisen und das Abenteuer des Weltalls – eine Metapher für grenzenloses Freiheitsgefühl und die Sehnsucht nach dem Unbegrenzten. Live regelmäßig auf über zwanzig Minuten ausgedehnt mit wilden Improvisationen, die Space Truckin' zum klassischen Konzertabschluss der Mark-II-Ära machten. Auf der berühmten Made-in-Japan-Live-Aufnahme dauert das Stück über zwanzig Minuten und gilt als eines der eindrucksvollsten Beispiele für die Livekraft der Band.
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Speed King
Deep Purple in Rock (1970)
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Ein rauschhafter Text voller Bewegung, Freiheit und purer Lebensfreude – der Erzähler will schneller sein als alles andere und lässt sich von niemandem aufhalten. Gilt als einer der ersten echten Heavy-Metal-Songs überhaupt; Gillan bringt seine Stimme hier an absolute Grenzen und etabliert damit seinen Ruf als einer der kraftvollsten Rocksänger seiner Generation. Das Stück eröffnet Deep Purple in Rock und setzt sofort den Ton: Diese Band meinte es ernst.
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Splat!
SPLAT! (2026)
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Titeltrack und Abschluss des Albums – ein lautstarkes, definitives Ende, das den Titel des Albums wörtlich umsetzt: mit vollem Gewicht aufschlagen. Schwerster und druckvoller Track des Albums, der alle Energie der vorherigen Stücke in einem finalen Ausbruch bündelt. SPLAT! als Titel war Programmaussage, und der Titeltrack löst das Versprechen vollständig ein.
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Step by Step
Whoosh! (2020)
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Beschreibt geduldiges, beharrliches Vorankommen ohne Abkürzungen und ohne Umwege – ein Schritt nach dem anderen, langsam aber sicher zum Ziel. Einer der straightforward-rockigsten Tracks des Whoosh!-Albums ohne große Experimente, der die Qualität der Band in ihrer direktesten Form zeigt. Step by Step ist ein ehrlicher, unprätentiöser Song, der beweist, dass Deep Purple auch ohne Effekte und Überproduktion überzeugen können.
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Stormbringer
Stormbringer (1974)
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Eine mythische Figur – halb Mensch, halb Naturgewalt – zieht vernichtend durch die Welt und lässt sich von keiner Macht der Erde aufhalten. Blackmore soll vom zunehmend funkigen Einfluss seiner Bandkollegen so frustriert gewesen sein, dass er die Band kurz nach diesem Album verließ, um Blackmore's Rainbow zu gründen. Der Titeltrack ist dabei ironischerweise einer der härtesten Songs des Albums und klingt fast wie ein bewusstes Zeichen Blackmores.
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Strange Kind of Woman
Fireball (1971)
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Handelt von einer rätselhaften Frau, die den Erzähler fasziniert und verwirrt – er kann sie nicht einordnen, nicht vergessen und kommt einfach nicht von ihr los. Live wurde der Song zum interaktiven Erlebnis, bei dem Gillan das Publikum zum Mitsingen animierte und improvisierte Dialoge einbaute – ein Konzerthighlight über Jahrzehnte. Die Single erreichte Platz 8 der britischen Charts und bewies, dass Deep Purple auch kommerziell zugängliche Songs schreiben konnten.
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Strange Ways
The House of Blue Light (1987)
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Gesellschaftskritik an seltsamen, unverständlichen Verhaltensweisen von Menschen und Institutionen, die sich in immer absurderen Ritualen verlieren. Einer der unterschätzten Tracks des Albums mit einem ungewöhnlichen, fast dissonanten Riff, das sich von den geradlinigeren Songs des Albums abhebt. Strange Ways zeigt die experimentellere Seite der späten Blackmore-Ära, die neben den erwartbaren Hardrock-Nummern auch Platz für Ungewöhnlicheres ließ.
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The Aviator
Purpendicular (1996)
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Erzählt von einem Piloten, Luftfahrtpionier oder Träumer, der sich in die Lüfte aufschwingt und die Welt von oben betrachtet – Freiheit als höchstes Gut, Grenzenlosigkeit als Lebensphilosophie. Episches Stück mit einem der längsten und kunstvollsten Morse-Soli der gesamten Platte, das seine Fähigkeiten als Techniker und Musiker gleichermaßen demonstriert. The Aviator ist ein Highlight des Purpendicular-Albums und zeigt, was Morse in die Band einbrachte.
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The Battle of New Orleans
Turning to Crime (2021)
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Humorvoller, erzählerischer Folk-Song über die gleichnamige Schlacht von 1815, der 1959 ein Riesenhit war und seitdem im kollektiven Musikgedächtnis verankert ist. Deep Purple spielen ihn mit sichtlicher Freude und einem Augenzwinkern, das zeigt, dass sie sich auf diesem Coveralbum bewusst nicht zu ernst nehmen. Ein echter Überraschungsmoment auf der Platte.
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The Battle Rages On
The Battle Rages On... (1993)
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Ein Text über anhaltende Konflikte, die nie enden – politisch lesbar als Kommentar zu weltpolitischen Dauerkonflikten, aber offensichtlich auch ein Spiegel der ewigen internen Spannungen innerhalb der Band selbst. Epischer Titeltrack mit einem der besten Blackmore-Riffs der späten Karriere, der die Band nochmals von ihrer energetischsten Seite zeigt. Es sollte Blackmores letztes reguläres Studioalbum mit Deep Purple werden – er verließ die Band noch während der Tour.
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The Beating of Wings
SPLAT! (2026)
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Poetisches Bild eines aufbrechenden Vogels als Metapher für Freiheit, Aufbruch und das Loslassen von dem, was einen festhält. Atmosphärischer, sich langsam aufbauender Track, der zu den interessantesten Kompositionen des Albums gehört. Don Aireys Keyboard schafft hier eine Klanglandschaft, die deutlich über Standard-Hardrock hinausgeht.
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The Lunatic
SPLAT! (2026)
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Satirischer Blick auf irrationale Führungspersönlichkeiten und die Gefolgschaft, die ihnen blind vertraut – ein Text mit offensichtlichem politischen Subtext. Schneller, treibender Rocker, der keine Zeit lässt zum Durchatmen und den Charakter des Titelsubjekts musikalisch perfekt einfängt. Gillan liefert hier eine seiner engagiertesten Gesangsleistungen des Albums.
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The Mule
Fireball (1971)
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Ein stures, dickköpfiges Durchhalten gegen alle Widerstände – der Erzähler lässt sich von nichts und niemandem aufhalten, ganz wie ein störrisches Maultier. Im Studio kompakt gehalten, live regelmäßig zum Schauplatz ausgedehnter Schlagzeugsoli von Ian Paice, der den Song als Sprungbrett für seine technischen Künste nutzte. Paice gilt bis heute als einer der einflussreichsten Rockschlagzeuger überhaupt, und The Mule zeigt deutlich warum.
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The Only Horse in Town
SPLAT! (2026)
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Ironische Beschreibung von jemandem, der sich für alternativlos hält und andere davon überzeugen will, dass es keine andere Option gibt. Grooviger Midtempo-Rocker mit einer Hookline, die sofort hängen bleibt und beim ersten Hören vertraut klingt. Ein typischer Deep-Purple-Rocker, der auf keiner Setlist fehlen sollte.
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The Rider
SPLAT! (2026)
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Epische Beschreibung eines einsamen Reiters, der durch eine feindliche Welt zieht – ein archetypisches Bild für den unabhängigen Geist, der sich von niemandem beugen lässt. Mitteltempostück mit einem brodelnden, drohenden Unterbau und einem McBride-Solo, das Raum und Luft lässt. The Rider ist eines der atmosphärischsten Stücke des Albums.
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The Unwritten Law
The House of Blue Light (1987)
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Handelt von ungeschriebenen Regeln, die trotzdem jeden binden – gesellschaftliche Erwartungen und soziale Normen, denen man sich nicht entziehen kann, ohne Konsequenzen zu tragen. Typischer Spät-80er-Purple-Sound mit Blackmores charakteristischen Mollskalen und einer Produktion, die den Zeitgeist der Ära widerspiegelt. The Unwritten Law ist ein solides Stück aus einer Phase, in der die Band sich kommerziellen Einflüssen stärker öffnete als zuvor.
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Third Call
SPLAT! (2026)
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Erzählt von jemandem, der zum dritten Mal versucht, Kontakt aufzunehmen – eine eindringliche, fast verzweifelte Situation, in der Stolz gegen Sehnsucht kämpft. Blueslastiger Midtempo-Rocker mit einem der stärksten Gitarrensoli des Albums. Third Call zeigt McBride von seiner emotionalsten und lyrischsten Seite.
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Throw My Bones
Whoosh! (2020)
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Text über das Loslassen von Kontrolle und das Vertrauen in den Zufall – Knochen werfen wie ein Orakel, das Schicksal walten lassen statt alles zu planen und zu kontrollieren. Groove-betonter Rocker mit einem der eingängigsten und treibendsten Refrains des Whoosh!-Albums, der sofort im Ohr bleibt. Throw My Bones wurde zum Aushängeschild des Albums und als erster Vorgeschmack auf die neue Platte veröffentlicht.
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Throwing My Life Away
Bananas (2003)
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Selbstkritische, schonungslose Bestandsaufnahme eines Mannes, der klar erkennt, dass er seine Zeit, sein Talent und seine Chancen vergeudet hat – und nicht weiß, ob es noch nicht zu spät ist. Einer der emotionalsten Tracks des Bananas-Albums mit einem besonders eindringlichen Gillan-Vortrag, der persönlicher klingt als die meisten seiner Texte. Throwing My Life Away berührt durch seine Ehrlichkeit auf eine Weise, die man von einer Hardrock-Band nicht erwartet.
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Time for Bedlam
inFinite (2017)
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Bedlam – englisch für Chaos und Wahnsinn – beschreibt eine Welt, die aus den Fugen geraten ist, in der Vernunft keine Rolle mehr spielt und alles in Aufruhr ist. Kraftvoller Opener mit einem der besten Riffs des späten Deep-Purple-Katalogs; Steve Morse in absoluter Bestform, der beweist, dass er nach zwanzig Jahren in der Band noch immer neue Ideen einbringen kann. Time for Bedlam wurde sofort zum Konzerthighlight der inFinite-Tour und wird bis heute live gespielt.
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Under the Gun
Perfect Strangers (1984)
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Beschreibt den permanenten Druck und die Überwachung, unter der jemand steht – permanent kontrolliert, beobachtet und zur Rechenschaft gezogen, ohne Raum zum Atmen. Druckvoller Rocker, der die Energie und den Hunger der Reunion-Phase bündelt und zeigt, dass die Band nach neun Jahren Pause noch immer wusste, wie man einen mitreißenden Song baut. Under the Gun ist eines der unterschätzten Highlights des Perfect-Strangers-Albums.
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Vavoom: Ted the Mechanic
Purpendicular (1996)
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Erzählt von einem unkonventionellen Mechaniker namens Ted, der alles auf seine eigene Weise repariert und dabei überraschend gute Ergebnisse erzielt – eine Metapher für kreatives Querdenken außerhalb etablierter Normen. Energiegeladener Opener des ersten Morse-Albums; zeigt sofort, dass der neue Gitarrist ein würdiger Nachfolger ist, der die Band in eine neue Richtung führt, ohne ihren Kern zu verraten. Vavoom: Ted the Mechanic gab auch dem Tourneekonzept des Albums seinen Namen.
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Vincent Price
Now What?! (2013)
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Nutzt den legendären Horrorfilm-Schauspieler Vincent Price als Metapher für jemanden, der andere durch Schein, Täuschung und eine geschickt gepflegte Aura unter Kontrolle hält. Bob Ezrin brachte die Idee ein und gab dem Song eine fast theatralische, filmische Qualität, die ihn von typischen Deep-Purple-Titeln unterscheidet. Vincent Price zeigt die spielerische, humorvolle Seite der Band, die sie trotz aller Ernsthaftigkeit und Jahrzehnte der Karriere nie ganz verloren hat.
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Wasted Sunsets
Perfect Strangers (1984)
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Melancholische Reflexion über verpasste Chancen, verlorene Zeit und vergangene Momente, die sich nicht zurückbringen lassen – der Schmerz der Vergänglichkeit. Eine der wenigen wirklich ruhigen Nummern des Albums – nachdenklich, verletzlich und ungewöhnlich leise für eine Band, die sonst auf maximale Lautstärke setzt. Wasted Sunsets zeigt die introspektive Seite Gillans, die er in Interviews oft versteckte, in seinen Texten aber immer wieder durchscheinen ließ.
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Watching the River Flow
Turning to Crime (2021)
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Entspanntes Bob-Dylan-Stück über das Nichts-Tun und das Zuschauen, wie das Leben an einem vorbeifließt – eine Ode an die Kontemplation. Deep Purple geben dem Song einen bluesigen, groovigen Unterbau, der perfekt zur Stimmung des Textes passt. Gillan wirkt hier entspannter und gelassener als auf den meisten Studioaufnahmen der Band.
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Weirdistan
Now What?! (2013)
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Satirische Beschreibung eines fiktiven, absurden Landes namens Weirdistan, in dem alles verkehrt, korrupt und falsch ist – eine deutliche Parabel auf politische und gesellschaftliche Missstände der echten Welt. Bob Ezrins Produktion gibt dem Song eine fast theatralische, kabarettistische Qualität, die ihn von typischen Hardrock-Nummern abhebt. Weirdistan zeigt, dass Deep Purple mit Now What?! auch politisch an Schärfe gewonnen hatten.
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What's Goin' On Here
Burn (1974)
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Verwirrt und desorientiert – der Erzähler versteht die Welt um ihn herum nicht mehr und fragt sich, was eigentlich hier los ist und warum alles so seltsam geworden ist. Funktioniert als atmosphärischer Überbrückungstrack zwischen den schwereren Momenten des Burn-Albums und gibt dem Hörer einen Moment zum Durchatmen. What's Goin' On Here ist ein unterschätztes Stück, das die Vielseitigkeit der Mark-III-Besetzung demonstriert.
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Whoosh!
Whoosh! (2020)
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Kurzes Instrumental ohne Text, das die Energie und Unberechenbarkeit eines Windstoßes einfangen soll – hier und weg, bevor man es richtig erfassen kann. Zeigt die Band in entspannter, fast jazziger Stimmung und dient als atmosphärisches Verbindungsstück zwischen den rockigeren Tracks des Albums. Der Titeltrack gibt dem gesamten Album seinen Namen und seine Philosophie: schnell, leicht, flüchtig – aber mit Wirkung.
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Woman from Tokyo
Who Do We Think We Are (1973)
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Erzählt von der Faszination für eine japanische Frau und das exotische, pulsierende Leben in Tokio – eine Stadt, die auf die westliche Band wie eine andere Welt gewirkt haben muss. Einer der wenigen wirklich starken Songs des als schwächstem Mark-II-Album geltenden Werks; das eingängige Riff und die mitreißende Melodie machten ihn zum Konzertdauerbrenner. Woman from Tokyo blieb auch nach dem Bandumbau 1973 noch jahrelang im Liverepertoire.
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You Fool No One
Burn (1974)
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Durchschaut jemanden gnadenlos, der andere mit Lügen und Täuschungen manipuliert und zu kontrollieren versucht – aber den Erzähler nicht täuschen kann. Live-Version auf Made in Europe wurde zum ausgedehnten Jam mit legendären Schlagzeugsoli von Paice, die den Song auf über zwanzig Minuten ausdehnten. You Fool No One ist eines der besten Beispiele dafür, wie die Mark-III-Besetzung im Livesetting regelrecht explodieren konnte.
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Deep Purple
